Hajime Ueda y Gainax no podían hacer algo normal... (FLCL)

¿Qué demonios es FLCL?¿La canción de moda?¿El más rápido de los deportivos?¿Un nuevo partido político?¿Otro aparato de gimnasia más de los que nos venden en las tele tiendas? ¿El último grito en ordenadores?¿Una nueva mascota virtual? ¿La nueva constelación descubierta por la Universidad de Massachussets? No. FLCL es,ni más ni menos,que una de las tantas locuras del estudio Gainax... 





ÉRASE UNA VEZ UN CHICO NORMAL EN UNA CIUDAD NORMAL... 

O eso es al menos lo que nos dice el protagonista de esta serie de OVAs, Naota. Vive en una ciudad en la que apenas hay nada interesante,incluyendo la extraña fábrica con forma de plancha que suelta gases a la misma hora cada día. Su hermano mayor viajó a EE.UU. para jugar al béisbol, dejando a su novia Mamimi en Japón. Como hemos dicho,todo discurría normal... hasta que, sin motivo aparente, Naota es atropellado por una misteriosa chica, Haruko, a lomos de su Vespa amarilla. A partir de entonces, la vida del jovenzuelo cambiará radicalmente. Por supuesto,Haruko es la responsable,y se muestra muy interesada en utilizar a Naota para sus planes. Pero, ¿cuáles son? Sin duda alguna, los más locos que haya visto anime alguno...

LA CHICA VESPA...

Y es que FLCL es una serie totalmente atípica, que se sale de cualquiera de los parámetros marcados anteriormente por cualquier anime anterior. Conformada por 6 OVAs de 25 minutos de duración cada una, esta obra de Gainax llegó a nuestro país de la mano de Selecta Visión. Olvidate de cualquier cosa que hayas visto antes, porque FLCL representa un nuevo horizonte en el mundillo del anime. Desde el mismo título (Fooly Cooly-abreviado como FLCL es un juego de palabras, ya que en sí no tiene significado, pero su fonética es muy similar a otras que sí lo tienen) hasta los mismos títulos de crédito (con la Vespa amarilla de The Pillows vagando a sus anchas), los chicos de Gainax han volcado en su loca obra cualquier cosa que se les pasara por la cabeza. 

En realidad, el anime no tiene ni pies ni cabeza, ya que la línea argumental es bastante confusa pero, en este caso, no importa lo que se cuenta, sino cómo se cuenta. Todo rezuma originalidad, empezando por el apartado gráfico. Si ya el dibujo, el color y la animación son espléndidas (de hecho,en la animación ha participado la prestigiosa Production I.G. y el diseño de personajes corre a cargo del gran Yoshiyuki Sadamoto), las técnicas con las que se han realizado son revolucionarias. Se nota el gran e inteligente uso del ordenador, conformando efectos que son comparables a los de Matrix (de hecho,hay un gag que es una parodia de ella) y al uso de elementos 3D y de capturas reales en el apartado técnico, como en el caso del agua. Como ya he mencionado, la animación es excelente, y no sólo por las continuas transformaciones de los personajes, con una gran expresividad, sino también por las deliciosas escenas de acción, que, sin lugar a dudas, merecen un puesto de honor en la historia del anime por sus efectos especiales, su suavidad y su espectacularidad.
 
Por supuesto, en una obra como ésta, no faltan las múltiples parodias a las que son tan aficionados los nipones. En FLCL, pues hay múltiples parodias de South Park, Evangelion, Matrix, Lupin III, Men in Black. Tal vez algunas no sean tan descaradas y/o evidentes como las de Excel Saga (la única serie a la que se le puede comparar mínimamente).
 
Lo que termina de redondear la serie es la excelente banda sonora, interpretada en su totalidad por el conocido grupo de rock japonés The Pillows, que han saltado al estrellato en el mundillo otaku español gracias a este trabajo. Y, ciertamente,es imposible imaginar FLCL sin esa música. 
Canciones tan buenas como Last Dinosaur, Advice,Ride on Shooting Star, Little Busters... van como anillo al dedo a todas y cada una de las escenas. Prueba de esta comunión entre música y serie es el hecho de que la Vespa amarilla de Haruko es la misma que tienen los verdaderos The Pillows, incluida la pegatina con el logo del grupo, esa "P" acompañada de una exclamación. Sólo hay que ver los créditos finales para descubrir este nexo. Y, bueno,según algunos rumores,la serie se hizo en exclusiva para el grupo, por lo que acabaría por confirmar todo lo que he dicho.

Por último,también hay que comentar que existe una versión manga de FLCL ,que ha sido publicada en nuestro país de la mano de Selecta. Al igual que el anime ,presenta un apartado gráfico completamente diferente y original y apenas sigue la línea argumental de esta ,por lo que es recomendable para todos aquellos que quieran una nueva visión de la historia de Naota, Haruko y Mamimi. 

DEL LEJANO ORIENTE A OCCIDENTE "KAIJUS"

Bueno en estos últimos tres días, he escuchado y leído comentarios muy buenos sobre el más reciente estreno de la película Pacific Rim (Titanes del Pacifico), la cual pues aun no tengo oportunidad de ir a ver.

Pacific Rim es una película estadounidense de ciencia ficción dirigida por Guillermo del Toro basada en un guion de Travis Beacham. La película está ambientada en un futuro cercano, donde los seres humanos controlan androides mecánicos sosteniendo batallas colosales contra los Kaijus, que surgen misteriosamente de lo más profundo del Océano Pacífico.

Hay dos influencias claras en Pacific Rim, ambas procedentes del lejano oriente y hoy les hablare de una de ellas. La primera y más notoria es el lagarto mutante que se aburrió de arrasar Japón, Godzilla. Los Kaijus, como también se denomina al sub-género de criaturas gigantes, obviamente no son personas disfrazadas sino seres generados por CGI.

¿Pero que es el “Kaiju”?

Kaiju (怪獣) es una palabra japonesa que quiere decir bestia extraña, pero es generalmente traducido al inglés como "monstruo". Específicamente, esta palabra es muy frecuentada en el género del tokusatsu  (特撮), palabra que significa nada más y nada menos que “efectos especiales”, el tokusatsu es principalmente conocido por la franquicia “Super Sentai” (series o películas al estilo power ranger o ultraman) pero en realidad, es solo una parte de un género mucho más grande. El tokusatsu es parte fundamental, de los géneros: ciencia ficción, fantasía o terror (pero películas y series en otros géneros pueden ser identificadas como tokusatsu). 

Los tipos más populares de tokusatsu son las películas de kaiju (Godzilla y Gamera), series de superhéroes (Kamen Rider y Metal Hero) y dramas de mechas (Giant Robo). Algunas series combinan 2 o más de éstos géneros (Super Sentai y Ultraman).

Pero regresando al tema de los Kaijus, Éste término engloba al Kaiju-eiga (películas de monstruos gigantes), Kaijin (referidos a monstruos humanoides) y Daikaiju (específicamente una larga lista de monstruos).

El kaiju-eiga más famoso es Godzilla. Otros “monstruos” conocidos son Mothra, Anguirus, Rodan, King Kong, Clover, Gamera y el King Ghidorah.

Los modelos típicos de kaiju y Kaijin son animales convencionales, insectos o criaturas mitológicas, además de ejemplos más exóticos. Si bien el término Kaiju se utiliza en Occidente para describir los monstruos de Tokusatsu y folclore japonés, monstruos como vampiros, hombres lobo, Monstruos de Frankenstein, momias, zombies, y muchas otras entidades de la mitología occidental se encuentran en esta categoría desde la perspectiva japonesa.

Los Kaiju suelen ser representados estando al servicio de un mal mayor. Algunos Kaiju son guerreros de élite que sirven como la mano derecha de un mayor villano y en última instancia, son destruidos por las fuerzas del bien. Dicho esto, durante las primeras épocas de Tokusatsu, los monstruos "heroicos" se observaron en las películas Daikaiju Eiga, y no fue hasta más tarde, cuando la televisión Tokusatsu comenzó a utilizar héroes. Estos Kaiju adoptaron muchos rasgos de monstruos clásicos, como la "Criatura incomprendida". 

Las mentes detrás del Kaiju

Las mentes responsables fueron el artista de efectos especiales Eiji Tsuburaya y el director Ishiro Honda (el cual fue homenajeado en los créditos de Pacific Rim). Tsuburaya, inspirado por el filme estadounidense King Kong, creó muchas de las técnicas que se volverían características del género, como el suitmation (el uso de un humano en un disfraz para interpretar a un monstruo), combinado con el uso de escenarios a escala y miniaturas. 

Su film Godzilla (1954) cambió para siempre el panorama del cine y TV de ciencia ficción en Japón, creando una visión única de un género usualmente dominado por el cine estadounidense.

Godzilla empezó el género kaiju en Japón, que continuó siendo popular por varias décadas, con personajes como Gamera, Rodan, Mothra. Sin embargo, en 1957, la primera película serial con el personaje Super Giant fue lanzada, poniendo la balanza de popularidad a favor de los héroes enmascarados.

Los superhéroes siguieron siendo una forma de entretenimiento viable y popular durante los años 60, pero se mantuvieron estancados, con muy pocos programas resaltando de entre los demás. En 1966, la situación cambió con el estreno de Goldar y Ultraman, creando así el género Kyodai Hero, en los cuales un héroe de tamaño normal aumenta de proporciones para luchar con enemigos igualmente grandes.

El Kaiju es popular en algunos países fuera de Japón. En muchos lugares, muchas personas que crecieron en los años 70 llegaron a conocer series donde los Kaijus hacían de las suyas hasta que el héroe llegara a ponerlos en su lugar, de modo que a causa de la globalización audiovisual, no se trata de un fenómeno aislado únicamente al país asiático.

En 1956, Gojira fue adaptada al público americano bajo el nombre de Godzilla, King of the Monsters. No era sólo un doblaje, sino una reedición y una reestructuración del guion para incorporar un personaje nuevo interpretado por el actor Raymond Burr.

A partir de 1993, todas las series Super Sentai han sido adaptadas al público occidental como Power Rangers.

Compañías de producción estadounidense han intentado imitar a los Kaijus con series como Centinelas Galácticos, The Mystic Knights of Tir Na Nog, Big Wolf on Campus y Animorphs, que son conocidas como "Kaijus americano". En Europa se hicieron películas estilo kaiju como Gorgo y Reptilicus y tributos como Jushi Sentai France Five, la cual imita al Super Sentai, pero agregando elementos propios de Francia.

El género es uno de los más populares en Japón, pero no ha alcanzado los mismos niveles en otras partes del mundo. A pesar de esto, tiene una sólida base de fanáticos fuera del país.

Ahora ya saben un poco más acerca de la historia de los “monstruos gigantes” que invaden con más frecuencia las pantallas grandes.

Música de una aventura digital

Uno de los elementos con los que se identifica cada generación es la música y el momento que recuerdan al escucharla, dándole una prioridad especial no solo en nuestras memorias, sino como referencia obligada cuando hablamos de un tema en especifico. En mi generación (y también en la actual), la música de los juegos de video nos recuerda las tardes que pasamos tratando de vencer a ese maldito jefe al final de Chronno Trigger, cuando íbamos con nuestro amigo o hermano disparando a lo que se moviera en Contra, tratando de pasar desapercibidos mientras buscábamos terminar exitosamente Metal Gear Solid o celebrando con la fanfarria de victoria cuando al final vencíamos a Ruby Weapon en final Fantasy VII.

Aunque muchos recordamos la música, realmente son pocos los que saben el nombre del compositor o arreglista de temas inconfundibles, como Donkey Kong, Kid Icarus, Dragon Warrior, Castelvania, Mega  Man y demás títulos que se han hecho clásicos en la historia de los videojuegos.

En el caso especifico de Nintendo, Koji Kondo es quien sa ha hecho nombre trabajando  en todos los proyectos de Shigeru Miyamoto. Desde el primer Super Marios Bros, hasta la versión mas reciente de Metroid, Kondo ha compuesto, arreglado y remezclado una infinidad de temas, y no fue hasta la aparición de The Legend of Zelda: A Link to the Past que empezó a recibir la mención que merece, a pesar de que seguramente, el fue el autor de muchos temas clásicos en los juegos de NES y el primer Game boy.

Para la serie de Zelda, Kondo compuso cuatro temas básicos que han estado presentes de una u otra forma en todos los títulos de la saga. La idea general era darle a estos juegos una musicalización épica que acompañara el drama y la aventura de Link a los oídos de quienes lo jugaran, aun cuando dejaran el juego a un lado.

Esta musicalización extremadamente básica en el Nintendo de 8 bits, salto junto con la popularización de los videojuegos en Japón, cuando apareció el Super Nes. Ahora cuando la música de los videojuegos tiene una aceptación casi idéntica que los de las películas en Japón y Europa.

Literatura de Fantasía: Más que Elfos y Niños Mágicos

Todos tenemos imaginación, pero pareciera que con el paso de los años nos olvidamos de lo que es. Recuerda cuando eras niño y jugabas a que eras uno de esos grandes héroes de caricatura e inventabas diálogos, solo o acompañado, le dabas vuelo a la imaginación hasta en la comida, ¿Cuántos de ustedes no se ponían a fantasear con unas galletas de animalitos y un vaso de leche? Pero ahora, cuando ya estudias o trabajas, parece que la imaginación ha terminado y que ya no hay tiempo para crear fantasías.

Sin embargo, no hay que dar todo por perdido, pues en la literatura hay algo llamado fantasía y ciencia ficción, y aunque esto no significa que de ahora en adelante te conviertas en un lector empedernido, si puedes darte cuenta que la imaginación y la fantasía también se plasman en letras y no solo en imágenes, como en el cine.

Y no es que esté en contra del cine de ciencia ficción, mas bien hay que darle honor a quien honor merece, porque muchas películas de gran éxito en taquilla están basadas en interesantes libros que a veces ni conocemos.

Vivimos siempre con el deseo de conocer otro planeta, otro espacio; de saber qué mundo raro se esconde del otro lado del espejo de nuestra propia realidad física, porque interiormente están nuestro pasado, deseos y sueños.

Y es que pareciera que a determinada edad, cuando nos consideramos adultos, nos da miedo fantasear, o dejamos que la imaginación se vuelva cosa de niños, porque para “la gente normal” fantasía e imaginación, también van ligados con mentira e invención. Algo así fue lo que le paso al escritor Michel Ende, a quien siempre se le criticó por defender y reivindicar el espíritu de la fantasía en sus cuentos.

A veces también pensamos que lo fantástico es solamente un mundo irreal lleno de criaturas raras, por ende, en su libro “El ponche de los deseos”, no expresa precisamente ese escenario boscoso y fantasiosamente fuera de la realidad; es mas bien un texto sencillo de trama ingenua en donde el final parece adivinarse desde el principio, al desnudar claramente la oposición entre el bien y el mal.

No deberíamos encasillarnos en un solo tipo de escritor, debemos aprender de los distintos escritores de libros de fantasía, autores capaces de ponerse en relación con ésta y de recorrer sus distintos senderos. Los escritores nos ayudan a descubrir la lengua, pero también nos ofrecen capacidades de sorpresa e invención, nos brindan instrumentos para descubrir cosas y adelantarnos en su significado.

La literatura de Ana María Shua se contempla en diferentes géneros, pero sus libros expresan que la fantasía no obedece las reglas de ningún género. En el libro “la Sueñera”, el sueño parece estar conformado de fragmentos permanentes de pesadillas, visiones y poemas.

Al leerla se comprende de otra manera la realidad y las zonas de lo irreal. Su literatura fantástica brinda ambientes y espacios para el desorden y la transgresión, usando el único signo posible: imaginación y lenguaje.

Por ultimo, se podría decir a las personas que nos les gusta este tipo de literatura o que la consideran como absurda: ¡no pasa nada!, pero recuerden que siempre existe el deseo por conocer otros mundos y que podemos ingresar a ellos a través del reino de la fantasía  que precisamente esta en nosotros.

El hobbit: una película inesperada.

Peter Jackson nos sorprendió a todos al llevar a la gran pantalla la mítica historia de Tolkien; pasando de ser una historia que veneraban algunos grupos que habían leído los libros y soñado con visitar la Tierra Media; a ser un referente de la cultura popular.

Los cambios que se atrevió a hacer a las historia como tal fueron mínimos, sin embargo, su mayor logro fue entender y extender la personalidad de algunos personajes que podría ser algo plana para lo complicados que son las cosas hoy en día.

Siguiendo con la franquicia y cobijado por el éxito anteriormente obtenido se presenta como una opción más en cartelera "El hobbit: un viaje inesperado". La precuela a la trilogía del anillo. A diferencia de la saga protagonizada por Frodo y compañía, esta nueva trilogía está basada en un sólo libro.

La mayoría esperábamos una sola película contándonos las peripecias de Bilbo, y cuál fue nuestra sorpresa al enterarnos de que también sería una trilogía. El pensamiento más común al respecto fue "¿De dónde va a sacar tanto material para tres película?

Para los que sólo hemos leído las obras principales de Tolkien nos llevaremos unas gratas sorpresas al ver detalles que sólo aparecen en lo más rebuscados de las narraciones sobre la Tierra Media, que enriquecen en gran medida la historia.

Ahora como película tiene una duración exagerada, que pocas veces se hace cansada, sin embargo, se abusa de los momentos cómicos para darle agilidad a la trama. Tiene escenas muy bien logradas, como el mítico momento que cambia el rumbo de toda la Tierra Media (el encuentro entre Bilbo y Gollum) o como el escape de los enanos.

En cuanto a las actuaciones Ian McKellen nos remonta a la pasada trilogía con su personaje de Gandalf, manteniendo en la misma frecuencia las películas, sin embargo, las acertadas participaciones de Martin Freeman como un muy elegante señor Bolsón y la interpretación de un solemne Thorin de parte de Richard Armitage brindan una frescura impresionante y evita que los más despistados quieran buscar comparaciones de esos personajes en la otra trilogía.

La banda sonora, fuera de la magnífica canción de los enanos no aporta nada nuevo. Lo mismo pasa en cuánto al aspecto visual de la película, manteniendo una estética muy similar a lo ya antes mostrado por Jackson y compañía, con el ligero cambio de una vista en tercera dimensión; que ha diferencia de otras películas que han utilizado esta técnica; es bien aprovechado.

En conclusión, El hobbit:un viaje inesperado sigue la misma fórmula que la trilogía de El señor de los anillos, sin embargo, los pequeños errores que pudieron cometer han buscado solucionarlos, como la lentitud de La comunidad del anillo.

Rocket "Rocky" Raccoon

En Julio de 2012, dentro de la Comic-Con de San Diego, dentro de los futuros proyectos fílmicos de Marvel se anunció la película de los Guardianes de la Galaxia. El grupo de personajes elegidos para protagonizar dicho filme es el elegido por Dan Abnett y Andy Lanning para el cómic del dicho nombre publicado a partir de Mayo del 2008, sin embargo, ya existía un cómic llamado así, con una alineación diferente creado por Arnold Drake y Gene Colan en 1969.

La apuesta de lanzar una película de un cómic no tan popular pudiera parecer arriesgada, sin embargo, Marvel ha ido preparándoles el camino para el público no tan adentrado en el mundo de las historietas, incluyéndolos en distintos medios, como es el caso del episodio llamado "Michael Korvac" dentro de la serie animada The Avengers: Earth's Mightiest Heroes. A su vez ya se tiene preparada su aparición dentro de la serie Ultimate Spider-man. Además de su incursión dentro de la línea de juguetes Marvel Universe y en el juego de estrategia Heroclix. 

Dentro de los videojuegos, en el Ultimate Marvel Vs. Capcom 3 se ha incluido como personaje al Rocket Raccoon personaje que da nombre al presente artículo.

Rocket Raccon fue creado por Bill Mantlo y Keith Giffen y apareció por primera vez en Marvel Preview #7 (1976). El es un mapache antropomórfico inteligente, que es un experto tirador y gran estratega.

Entre las particulares de dicho personaje, la que me gustaría mencionar es que está basado nada más y nada menos que en una canción del mítico cuarteto de Liverpool, The Beatles. La canción se titula "Rocky Raccoon" la cuál forma parte del álbum "The Beatles", generalmente conocido como "El álbum blanco".

La canción es una balada de Folk rock, escrita principalmente por Paul McCartney y fue grabada el 15 de agosto de 1968. Fue la última canción de The Beatles en la que John Lennon interpretó la armónica y el piano típico del bar del oeste fue tocado por el legendario productor George Martin. 

Sin más les dejo el tema, acompañado de una curiosa animación:

TRANSFORMER "EL ORIGEN"

A finales de los setenta la compañía Takara lanzó un juguete con articulaciones, que se presentaba,  a simple vista, como un vehículo de transporte (avión o auto), pero bastaba  manipular el orden de las piezas móviles para que un Volkswagen se convirtiera en un robot humanoide. Estas figuras de acción se dieron a conocer en el mercado como “Diaclones”, y paulatinamente invadieron Japón, E.U y América Latina.

La respuesta positiva del público fue fundamental para que este peculiar juguete contara con su propio universo narrativo, tanto en cómic como en serie animada. Para los adultos que en ese entonces eran niños, la simple mención de Optimus Prime reaviva aquel sueño imposible de convertirse en un heroico robot.

La primera generación

En 1982, la compañía Hasbro y Marvel Production establece un acuerdo para negociar los derechos de los diseños de las figuras, que en menos de un lustro se convertirían en ícono.

Dos años después, la triada creativa de estudios estadounidenses, japoneses y canadienses debutó en las pantallas norteamericanas con la serie “Trasformers”, cuya premisa planteaba un universo alterno donde los robots tenían la cualidad de adquirir mecánicamente otra forma y de sentir emociones. El primer episodio engancho a una gran cantidad de seguidores, y con el éxito asegurado se puso en marcha una cadena comercial que en la actualidad sigue extendiéndose. 

La primera tanda de temporadas que conforman la serie principal se llama “Generación uno”, compuesta por:

1° Temporada 16 episodios (1986)

2° Temporada 49 episodios (1985)

3° Temporada 30 episodios (1987)

4° Temporada 3 episodios (1987)

Con dos películas tituladas “Scramble city” en 1986 y “Scramble city 2” en 1987

Al finalizar la transmisión de la serie principal se realizaron una veintena de secuelas, que exploran mas ampliamente la historia de “Generación uno” , entre las que destacan:

Headmaster

 

Victory

Beast War

  

 ,                                                   

Beast Machine

Y muchas pero muchas más, de las cuales les hablaré en el siguiente post  つづく